DISCUSSION: « Les écoles d’art qui changent le monde », 25 mai 2023

Le 25 mai 2023 à 19h, à ENSBA, se tiendra une discussion autour du livre de Marc Partouche : Les écoles d’art qui changent le monde, en partenariat avec AICA France et le cycle « Entre les lignes, version critique ». La conversation sera animée par Alain Berland et François Salmeron.

L’auteur, Marc Partouche, est historien et théoricien de l’art, commissaire d’expositions. Il est doyen de l’Académie MeiAo de l’International Art and Design Center, Shenzhen (Chine). Il a été directeur de l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs, Paris, directeur de l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles-École Supérieure des Arts, directeur scientifique de la Cité Internationale du Design, Saint-Etienne, conseiller du Délégué aux arts plastiques du Ministère de la Culture et inspecteur général pour la recherche, la création technologique et l’audiovisuel de la délégation aux arts plastiques du ministère de la Culture.

Une séance de signatures est prévue à la fin de la conférence. 

Beaux-Arts de Paris
Amphithéâtre des Loges
14 rue Bonaparte, Paris 6

Entrée libre dans la limite des places disponibles
Retransmis en direct sur Instagram et YouTube
À retrouver J+7 en podcast

Les Helvètes et le concours d’entrée à l’École des beaux-arts, crainte ou désintérêt ? (1850-1900) 

par Coraline Gajo-Guyot

« J’ai l’honneur de vous présenter un élève de l’École des Beaux-Arts de Paris, atelier de Gérôme.- Depuis ce matin je fonctionne comme tel, et je n’ai rien de plus pressé que de venir vous l’annoncer », Lettre d’Eugène Burnand à ses parents, Paris, le 28 octobre 1872, bibliothèque cantonale et universitaire, fonds Eugène Burnand, IS 4989.

La seconde moitié du XIXe siècle est marqué par un profond changement de l’image de l’École des beaux-arts qui, peu ou prou, voit son hégémonie pédagogique être remise en cause par des débats institutionnels. Les artistes suisses, venant à Paris pour y acquérir des savoirs pratiques, mais aussi et surtout un capital symbolique, sont ainsi directement confrontés à cette mutation engendrée parce que l’institution ne répond plus réellement aux besoins de ceux et celles qui la constitue. Une réalité dont ils semblent conscients et à l’aune de laquelle ils fondent leur choix de formation.

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Élèves et modèles, une éducation teintée de brutalité : récits d’humiliations au sein des ateliers d’artistes au XIXème siècle, lieu d’homosocialité et de compétitivité

Anonyme, Atelier de Jean-Léon Gérôme, 1900

La question soulevée dans cette proposition fait avant tout référence à deux travaux de mémoires réalisés en 2016 et 2018, traitant spécifiquement de la présence des femmes (artistes, modèles, massières) au sein du paysage éducatif et artistique de la fin du XIXème siècle et du début du XXème siècle, notamment à l’École des Beaux-Arts de Paris.

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La réception de l’École des Beaux-Arts de Paris à l’aube du XXème siècle

« Non seulement les portes et les fenêtres de ce château de la Belle-au-Bois-Dormant ne s’ouvrent jamais à la vie du dehors que les habitants détestent de parti pris, mais, rue Bonaparte, tout ce qui ne présente pas l’estampille classique est honni et aveuglement frappé d’ostracisme. »

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Hystérie, “poseuses” et music-hall : la naissance du modèle féminin en tant que stratégie performative de la politique du corps moderne (1880-1900)

Désiré Magloire Bourneville, Paul Regnard, Planche XXX. Hystéro-épilepsie. Sommeil hypnotique, Iconographie photographique de la Salpêtrière : service de M. Charcot, tome III, 1879-1990. Paris, BIU Santé Médecine, LIVR2013108.

Dans cette intervention, je voudrais esquisser une rencontre particulière entre la pratique clinique concernant l’hystérie, le cursus pédagogique à L’École des Beaux-Arts, le spectacle populaire et le discours distinct au regard de la théâtralité de la société à Paris à la fin du XIXe siècle, qui a produit une politique du corps exposé, artificiel et convulsif, se centrant autour de la figure du modèle féminin d’artiste. Nous essaierons de reconstituer dans son ampleur la pratique prévalente des autorités médicales et pédagogiques ainsi que l’imaginaire culturel de la modernité, qui ont constitué non seulement le discours sur l’économie des rapports dans l’atelier d’artiste, mais aussi l’entrée du modèle dans la sphère publique, la rue, la scène du théâtre populaire et la presse en tant que poseuse, un nouveau symbole de la modernité corporelle fondé sur exhibition et performance du soi.

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Une révolte conformiste ? Appropriation et contestation de l’enseignement des arts décoratifs à l’École des beaux-arts vers 1900

  • Le « groupe de Rome » ou le renouveau de la tradition académique par le décor

En 1921, l’École des beaux-arts exposa, comme chaque année, les œuvres envoyées par ceux de ses anciens élèves qui avaient remporté le prix de Rome. Plusieurs peintres (Jean Dupas, Robert Pougheon, Jean Despujols et Louis Rigal) marquèrent à cette occasion leurs distances avec l’enseignement de l’École (Lechleiter 2008 ; Deltour à paraître). Dans ses Pigeons blancs, qui scandalisèrent les professeurs de l’École et l’Académie des beaux-arts, Jean Dupas adopte une palette vive et antinaturaliste pour représenter des femmes dansant dans un paysage idyllique, sans prétexte iconographique précis. Il abandonne la narration, la représentation de l’espace en perspective et la correction anatomique des figures, dont il avait pourtant dû faire la démonstration dans L’Amour vainqueur du dieu Pan, pour lequel il avait reçu le prix de Rome en 1910. La précédente génération des Beaux-arts, sortie de l’École entre 1890 et 1900, avait abandonné les sujets historiques pour traiter de manière naturaliste des scènes de la vie contemporaine. Formé autour de Dupas, le « groupe de Rome » se tournait plus radicalement vers la peinture décorative, abandonnant la narration et « l’imitation de la nature » qui en constituaient le cœur (Sérié 2014).

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L’atelier de sculpture d’Alexandre Falguière à l’École des Beaux-Arts

Carolus-Duran (Charles Emile Auguste Durand, 1837-1917). “Portrait d’Alexandre Falguière”, 22 mars 1870. Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Petit Palais.

Figure incontournable de la sculpture française sous la Troisième République, Alexandre Falguière (1831-1900) en est aussi l’un des professeurs les plus éminents. Sa carrière est l’exemple parfait de l’ascension sociale et démocratique dont peut bénéficier un artiste ambitieux qui, grâce à un système de prix et de bourses, aspire à une réussite nationale et à une reconnaissance institutionnelle. Né à Toulouse en 1831, Falguière mène un parcours exemplaire : élève à l’École municipale des Beaux-Arts, il rejoint rapidement Paris pour se former dans les ateliers les plus en vogue de la capitale dont celui de François Jouffroy qui le présente alors à l’École impériale des Beaux-Arts. Fort d’une formation théorique et pratique rigoureuse, il décroche le prestigieux prix de Rome en 1859 aux côtés de son camarade Léon Cugnot, titre qui lui ouvre les portes de la Villa Médicis. Rapidement, le sculpteur connaît ses premiers achats officiels : le Vainqueur au combat de coqs en 1862, son troisième envoi de Rome, puis le Tarcisius, présenté en 1868 et lui valant la médaille d’honneur au Salon. Engagé militairement au cours de la guerre franco-prussienne, Falguière devient ensuite un artiste chéri par la République qui lui confie l’incarnation de ses idéaux et de ses apôtres, et lui décerne le prestigieux titre de professeur de l’École des Beaux-Arts, devenue nationale.

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APPEL A CONTRIBUTIONS: ” Enseigner la danse. Représentations et statuts du métier”.

En vue de son 13e numéro, la revue Recherches en danse, qui sera dirigé par Emmanuelle Delattre-Destemberg, Marie Glon et Guillaume Sintès. Cet appel intitulé “Enseigner la danse. Représentations et statuts du métier” est ouvert aux articles scientifiques et témoignages-explications. Les propositions sont à transmettre avant le 1er mars.

L’appel intervient parallèlement au projet « En Dansant. Pour une histoire des enseignant·es en danse » qui réfléchit à la construction sociale du métier en France (XVIIe-XXIe siècles). Il sera question, avec ce numéro thématique, d’explorer les représentations et imaginaires du métier. Cette thématique permettra ainsi d’accueillir des propositions académiques – qui pourront l’éclairer d’un point vue historique, sociologique, anthropologique, littéraire, philosophique, juridique… – comme la parole et les témoignages de praticien·nes, enseignant·es et pédagogues issu·es d’horizons, cadres et esthétiques divers.

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PARUTIONS: histoire de l’enseignement de l’architecture

Nous signalons deux publications sur l’histoire de l’enseignement de l’architecture, intervenues fin 2022.

D’une part, l’ouvrage d’Amandine Diener publié aux PUR : Enseigner l’architecture aux Beaux-arts (1863-1968). Entre réformes et traditions. L’auteure traite, à l’appui de nombreux documents, la période qui s’étend de la réforme mise au point par Viollet-le-Duc en 1863 jusqu’à la disparition de la section d’architecture des Beaux-Arts en 1968. Pour une présentation plus développée, voir la recension réalisée par Clotilde Roullier dans les Livraisons d’histoire de l’architecture: ici.

D’autre part le collectif, préfacé par Maryvonne de Saint-Pulgent: L’architecture en ses écoles. Une encyclopédie de l’architecture au XXe siècle. Volumineux et essentiel, l’ouvrage propose 341 notices aux formes variées et rédigées par près de 150 contributeurs et contributrices. Il a été publié chez Locus Solus.

CALL FOR PAPERS : “Teaching film practices in higher education: historical and contemporary  perspectives”

Research on art pedagogy has been expanding in recent years. The research project “The practice of cinema in higher education: for a comparative approach to the teaching of film practice in art schools”, supported by Campus Condorcet, has sought to fill in several scientific gaps in this field of research. Thus, four meetings organized in 2021 and 2022 focused on the teaching of cinema, transnational circulations, the teaching of screenwriting and animation[i]. This project was directed by Gabrielle Chomentowski (CNRS), Stéphanie-Emmanuelle Louis (École nationale des chartes) and Barbara Turquier (La Fémis). All of the workshop’s work is presented in a scientific blog: https://hpca.hypotheses.org/

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PROJECTION: Podróż [voyage] : Devenir cinéaste marocain en Pologne 

Le 11 janvier 2023 : première projection parisienne d’un programme de courts-métrages d’étudiants marocains retrouvés par Léa MORIN (Talitha) et Marie PIERRE-BOUTHIER (Université de Picardie) à l’école de cinéma de Lodz en Pologne. Ce programme, intitulé Podróż [voyage] : Devenir cinéaste marocain en Pologne, retrace le « voyage » en Pologne communiste de Marocains étudiants en cinéma, à Łódź, entre 1965 et 1975. Des premières « études » documentaires, critiques de la société polonaise, aux films politiques et expérimentaux, liés aux « années 1968 », on découvrira le nouveau cinéma marocain à venir, rêvé par les pionniers Mostafa Derkaoui, Abdelkader Lagtaa, Abdallah Drissi ou encore Idriss Karim – dont plusieurs seront ensuite réduits au silence à leur retour dans le Maroc de Hassan II. 

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PARUTION: Recherches en danse#11 “Danse et éducation”

La revue Recherches en danse a publié en novembre 2022 son 11e numéro sur le thème “Danse et éducation”. Le numéro balaie un large panel de situations de transmission: du cadre scolaire à celui du musée, de la Suisse au Chili. Pour ce qui intéresse plus directement l’enseignement supérieur et le champ d’HPCA, on notera l’entretien mené par Valentina Morales Valdés avec Raymond Hilbert sur son parcours transnational d’étudiant et de pédagogue.

APPEL A CONTRIBUTIONS “Transmettre les pratiques du cinéma dans les écoles supérieures d’enseignement artistique : perspectives historiques et contemporaines”

S’inscrivant dans la lignée de travaux sur la question de la pédagogie de l’art en forte expansion depuis plusieurs années, l’Atelier Condorcet « La pratique du cinéma dans l’enseignement supérieur : pour une approche comparée de la transmission des savoir-faire dans les écoles d’arts » a cherché à combler plusieurs angles morts de ce champ de recherche. Ainsi, quatre rencontres organisées en 2021 et 2022 ont porté sur l’enseignement du cinéma, les circulations transnationales, l’enseignement du scénario et celui de l’animation[1]. Ce projet a été mis en œuvre par Gabrielle Chomentowski (CNRS), Stéphanie-Emmanuelle Louis (École nationale des chartes) et Barbara Turquier (La Fémis). L’ensemble des travaux de l’atelier est présenté dans un carnet Hypothèses.

Visant à prolonger les travaux de cet atelier de recherche, le présent appel à contributions accueillera des textes portant sur la transmission des pratiques cinématographiques dans l’enseignement supérieur, et singulièrement dans les écoles dédiées à l’enseignement des arts, dont le cinéma, en France et à l’étranger. Il s’agira de s’interroger sur la manière dont s’organise institutionnellement, intellectuellement et humainement l’expérience de formation des étudiants suivant des enseignements pratiques en cinéma autour des axes détaillés ci- dessous. Afin de mettre en évidence les permanences et les mutations de ces pratiques, sont recherchées aussi bien des propositions historiques portant sur le vingtième siècle, que des contributions portant sur des pédagogies actuelles, ces deux aspects pouvant être associés dans une même proposition

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Travaux d’élèves de l’ENSAD : quelques ressources audiovisuelles de l’INA

La séance d’Atelier Condorcet-HPCA du 23 juin 2022 a été l’occasion de travailler, entre autres, sur les enseignements d’images animées de l’ENSAD. En lien avec cette rencontre, nous avons pu publier plusieurs fiches fonds dans le Guide des sources HPCA. Le début de cette intégration des fonds audiovisuels au guide est dû à la précieuse collaboration d’Antonin Branger, étudiant à Paris 1 stagiaire sur le projet HPCA en 2022, et Laëtitia Larcher, Chargée de mission en documentation et valorisation à l’INA.

Voici les liens vers les fiches désormais disponibles:

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PARUTION : Disrupting Schools: Transnational Art Education in the 19th Century

Les éditions Brepols publient, sous la direction de France Nerlich et Eleonora Vratskidou, le volume collectif Disrupting Schools: Transnational Art Education in the 19th Century.

L’intégralité de l’ouvrage est en anglais. En sus de l’introduction proposée par les deux directrices de publication, on y trouvera 13 articles répartis en 3 parties: I. Sharing Knowledge, Testing Methods; II. Diffracted Paris; III. Being here and Elsewhere. L’ouvrage propose aussi une bibliographie et un index. La table de matière peut être consultée ici.

Pour les directrices de publication, parler d’éducation artistique transnationale plutôt que de formation à l’étranger permet de souligner la complexité de la problématique et ses multiples ramifications. Elles aspirent à une contribution active au tournant épistémologique de études transculturelles, notamment en croisant les approches économique, institutionnelle et d’histoire sociale de l’art. L’ambition du volume est de réévaluer les catégories nationales qui ont dominé les discours sur l’histoire de l’art au XIXe Siècle, et de mettre en lumière l’impact des pratiques transnationales sur les orientations artistiques locales et dans l’élaboration des récits nationaux (introduction, p.9).

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